Interviu cu artista Daniela Chirion

1. Cine este Daniela Chirion și cum a început totul?

Daniela Chirion este pictor. Nu mă consider un artist – termenul a devenit prea ambiguu și prea des folosit. Scopul cercetării mele este pictura. Lumina. Forma. Dragostea mea pentru pictură este ancorată în lumea care se află dincolo de suprafața pânzei, o lume poetică, dar și practică; un pictor trebuie să fie un poet, un filosof, un meșter precum și un simplu tâmplar. Privind lumea cu ochii plini de întrebări și construindu-ți propria lume cu propriile mâini – în asta constă frumusețea Picturii pentru mine.

Am început foarte devreme, la doisprezece ani, vârsta la care în perioada Renașterii copiii își începeau ucenicia la un maestru. La acea vârstă, am ales să-mi continui studiile la un liceu de arte plastice. Dar, în termeni absoluți, am început din totdeauna. Nu-mi amintesc să fi vrut o altă carieră.

2. Care este stilul tău și ce tehnici picturale folosești? Ce teme explorezi? Îmi place ADN-ul tău mitocondrial…

Nu m-am putut identifica cu un anumit stil. Creez mereu noi serii de lucrări, serii care au în comun doar gestul meu pictural, tușa mea de pensulă. Mă reinventez mereu.

Din punct de vedere tehnic, mereu am preferat culorile în ulei pe pânză de in, pentru mine aceste două materiale sunt sinonime cu pictura. Netezimea, transparența, consistența culorilor în ulei rămâne incomparabilă, precum și textura neregulată și profundă a fibrei de in.

Temele pe care le-am abordat de-a lungul timpului pot părea clasice – portrete, peisaje, naturi moarte. Dar, aceasta este doar o aparență; tot ceea ce fac este în esență abstract și figurativul este doar un pretext pentru a picta. Aș vrea să spun că elaborez/construiesc compoziții. Sau, și mai bine, că eu creez pânze.

„ADN mitocondrial” este probabil cel mai conceptual din seriile mele. De obicei, prefer să nu includ narațiunea, prefer ca narațiunea să rămână implicită, nu explicită. Aici, însă, există o narațiune, oricât de simplă și de clară – miezul seriei este format din cinci portrete care prezintă cinci generații de femei, de la stră-străbunica până la mine. Toți cinci suntem la capătul unei lungi linii materne care merge înapoi în zorii timpului. Din toată această filiație, eu sunt singura rămasă în viață, cea mai tânără și cea mai bătrână dintre toți strămoșii mei. Mă aflu aici să le spun povestea, să le dau o față și să-i salvez de la uitare. Mă aflu aici să le spun povestea, să le dau o față și să-i salvez de la uitare.

3. De ce doar alb-negru? Care este legătura ta personală cu cearșafurile și lenjeria? Ce este culoarea pentru tine?

Este vopseaua sinonimă cu culoarea? Mi-am pus această întrebare acum câțiva ani. Și răspunsul meu a fost nu.

Pentru mine pictura este mult mai mult decât culoare. Este o textura, o vibratie, un gest. Este Lumina.

Prin urmare, în 2014, după mai bine de două decenii și jumătate de experimentare cu culoarea, am decis să îmi restrâng paleta la alb-negru.

Nu a fost ușor. Mi-a luat doi ani să renunț la fundalurile colorate care străluceau prin straturile suprapuse de nuanțe. Și, de asemenea, să îmi împing pânzele către un acromatism radical având în același timp un obiectiv foarte clar – acela de a crea un fel de pictură care, sub masca artei figurative, este de fapt abstractă.

Culoarea este peste tot. Culoarea este o senzație. Culoarea este, de asemenea, o iluzie, deoarece noi, oamenii, o vedem diferit de alte specii de animale. Și dacă te gândești la daltonii, chiar și la noi, nu vedem cu toții un curcubeu în același mod.

Culoarea este și viață. Este emoție. Poate fi plin de bucurie, tristețe, speranță și disperare.

Negrul pur și albul pur nu există în natură. Acestea sunt concepte teoretice.

Ceea ce ni se pare alb-negru mai contine multa culoare, nuante infinite.

Așa m-am îndrăgostit de toată scara de griuri argintii neutre. M-am îndrăgostit de lumea lor sobră și de provocarea de a obține un efect maxim cu mijloace minime.

Cearșafurile și lenjeria de menaj au venit firesc ca pretext pentru falduri, pentru jocul de lumini și umbre. Cu siguranță există ceva intim acolo, dar și ceva misterios, ascuns. Din nou, povestea este deschisă tuturor interpretărilor.

4. Cât te-a costat să faci, de exemplu, White Shades XXII și cât timp ți-a luat să-l faci?

„White Shades XXII” este o lucrare deosebită, în sensul că pânza am pregătit-o în întregime singură. Istoria sa este așadar destul de lungă – șasiul a fost comandat separat, pânza de in a fost achiziționată din Gent, am montat pânza pe șasiu într-o iarnă înghețată și am plasat stratul de după într-o vară însorită. Prin urmare, ar fi dificil de aproximat atât costul materialelor, cât și timpul (considerabil) necesar pentru pregătirea suportului. Acum prefer să-mi comand pânzele deja pregătite pentru a economisi timp, dar vin într-o dimensiune standard. Pentru un format atipic am nevoie de multă răbdare și practică artizanală, un know-how care, sper, nu va fi uitat în ciuda erei digitale în care trăim.

În ceea ce privește lucrarea în sine, crearea imaginilor poate dura uneori ani de zile. Pictez doar când structura compoziției este clară în capul meu. În acel moment, munca merge destul de repede – lucrez timp de o singură sesiune care durează de obicei între douăsprezece și optsprezece ore. Cu toate acestea, acest moment de glorie este doar vârful aisbergului.

5. Cum au evoluat picturile tale de-a lungul anilor? Ce te inspiră?

Cred că de-a lungul timpului lucrările mele au devenit mai cerebrale și mai detașate. Suprafața pânzei reflectă ceea ce se află dincolo de aparență.

Sursele mele de inspirație sunt pe cât de diverse, pe atât de neașteptate. Nuanța unei culori, forma unei umbre, o muzică din care extrag energia și o recreez pe pânză. Uneori nimic altceva decât o stare de spirit poetică care dorește să poarte o formă vizibilă.

6. Ai un pictor preferat? Te influențează sau nu? Și în ce măsură?

Mi-au plăcut întotdeauna Diego Velázquez și Frans Hals pentru atingerea lor precisă și liberă. James Whistler m-a inspirat cu detașarea anecdotei și libertatea armoniilor autosuficiente. De asemenea, am apreciat întotdeauna legătura lui cu muzica – dacă te gândești la faptul că a intitulat portretul mamei sale „Aranjament în negru, opus 1”.

Dintre contemporani, diversitatea lui Gerhard Richter a fost întotdeauna pentru mine o confirmare a faptului că trebuie să ne eliberăm de orice constrângere stilistică.

Altfel, cu siguranță învățăm din fiecare contact cu alți pictori, contemporani sau nu, mai ales în anii de formare. Apoi, ne urmărim propriul drum.

7. Care a fost cea mai mare provocare din viața ta de artist? Ai alte pasiuni decât pictura? Se poate hrăni un artist doar cu pasiunea lui?

Fiecare zi a atelierului reprezintă o provocare și o luptă împotriva propriilor limite. Pe măsură ce se acumulează experiență, munca nu devine mai simplă, ci mai complicată. Cu cât știm și suntem mai capabili, cu atât ne dăm seama cât de puțin știm și cât de puțin suntem capabili. Pasiunea pentru pictură întâlnește pasiunea pentru cunoaștere. Dincolo de dimensiunea sa estetică, pictura este în sine un mod de a se cunoaște pe sine și a cunoaște lumea.

Dar, orice pasiune, oricât de arzătoare ar fi, trebuie alimentată din exterior. Altfel, se consumă, se usucă, se repetă. Cărțile, muzica, scrisul m-au făcut mereu să renasc, să mă reinventez. Orele singuratice ale nopții, de asemenea.